EL MENTIDERO DE LOS COMEDIANTES. ANÉCDOTA 71: ACERCA DE MÍ MISMO (PROMOCIONANDO) ANECDOTE 71: ABOUT MYSELF (PROMOTING)

Hola amigos de nortonteatro.blog. Yo soy Nortan Palacio conocido artísticamente, y en La Abadía de Alles is Drama, como Norton P.

Hello friends of nortonteatro.blog. I am Nortan Palacio known artistcally ,and in The Abbey of Alles is Drama as Norton P

Viernes 17 de marzo. 2023

ENGLISH VERSION: BELOW TO THE SPANISH VERSION

EL MENTIDERO ESTA SEMANA: PROMOCIONÁNDOME A MÍ MISMO.

Esta semana está siendo frenética en cuanto a mi actividad teatral: como espectador, divulgador y director: primero fui a ver la obra de Chejov: El jardín de los cerezos en neerlandés, que en esta dura lengua se titula: De Kersentuin (ahí es nada) En una adaptación y puesta en escena de Toneelgroep Maastricht, que viene a significar: Compañía de Teatro de Maastricht.

Como conocía la obra original creí que podría seguirla aun en Neerlandés, pero… Como la lengua no me permitía centrarme en la trama, me dediqué a escudriñar cada detalle de la puesta en escena y debo decir que me sorprendió gratamente el montaje; la vocalización de los actores que debo reconocer que, sin entender la mayoría de las palabras, sonaba clarísima; la manera de engarzar las escenas en un escenario que giraba y que facilitaba que los actores apenas tuvieran que salir de él; ese mismo escenario le proporcionaba una dinámica muy activa a toda la obra y, sobre todo, el viejo actor, cantante y músico que interpretaba a Firs (para los que no conozcan la obra; Fisr es el criado mayor que, sin ser protagonista, es quien mejor conoce los entresijos de la familia, los sirvientes y los amigos de la dueña del jardín de los cerezos; por lo que Chejov lo pone a que nos dé esos detalles que nos faltan para saber qué pasaba con las familias nobles venidas a menos y con los nuevos burgueses que pululaban por la Rusia de la pre revolución) A este Firs es a quién se olvidan encerrado en la casa del jardín, cuando la tienen que vender y marcharse. Ahí se queda con nosotros para darnos su epílogo de lo sucedido. Puede decirse que Firs realiza la función del coro de la tragedia griega. Y así, Michel Sluysmans, el director de este montaje, nos lo ofrece en su puesta en escena, cantando y tocando una muy diversa cantidad de instrumentos pero a la vez haciendo sus escenas como un corifeo atento, aunque parece que pasaba por ahí.

El miércoles volví a dictar mi conferencia Neocolonialismo y Teatro, que tantos gustos me está dando, esta vez ante los socios de la Asociación De Zaak, que en neerlandés viene a ser algo como asociación de empresarios; en el preámbulo de su cena mensual. Para los que me siguen desde hace poco tiempo: esta conferencia nació como una Masterclass (de 8 horas) para los alumnos de la Escuela de Artes Aplicadas de Maastricht, pero a raíz de que me fueron solicitando que la divulgase ante diferentes grupos (estudiantes de secundaria de la Escuela Internacional de Maastricht, Asociaciones como De Zaak) se fue convirtiendo en una conferencia de una hora que es lo que estos grupos han requerido.

En «Neocolonialismo y teatro» hago un recorrido por los procesos de población, descubrimiento, conquista, colonización, descolonización y neo-colonización de América para luego centrarme en la zoma más septentrional de Suramérica: en La Guajira, que es la zona donde vive La Tribu Indígena llamada Wayuü y que sin pasar por los primeros procesos de conquista, colonización y descolonización, sí que ha sufrido y sigue sufriendo de una manera rígida ‒sin comerlo ni beberlo‒ el bestial neocolonialismo que las multinacionales del carbón le están imponiendo.

Y digo «sin comerlo ni beberlo» porque en el área específica donde viven los wayuüs ni siquiera se encuentra “EL Cerrejón” la mina de carbón a cielo abierto más grande del mundo que es la que explotan las multinacionales, sino que por su territorio hubo de hacerse pasar un tren para que transportase el carbón al mar y de allí a las zonas ricas del mundo. Les prometieron regalías porque el proyecto obligaba a cambiar cursos de agua y a limitar labores de pesca cultivos y pastoreo. Las regalías nunca llegan y los niños mueren de sed e inanición. De ahí su tragedia.

Después hago un repaso por los principales mitos, ritos y la teogonía de esta tribu; elementos que (porque todas las creencias nacen de una misma raíz: la naturaleza) se emparentan incluso con algunas creencias cristianas y con los conocidos mitos griegos que nos legaron Homero y Hesiodo.

Luego expongo la génesis de mi obra Shaneetay; primero, porque el arte (en este caso el Teatro) tiene las herramientas para denunciar y acusar las barbaries, y la obligación de hacerlo; y segundo, porque en lo personal llevo parte de la sangre de esta tribu y porque una familiar que denunciaba como activista se vio amenazada y obligada a dejar la zona y el país tras un atentado.

Finalmente, explico por qué la obra tiene una estructura de tragedia griega y con las partes de esta (prólogo-parodo-episodios-estásimos-epílogo) voy exponiendo la sinopsis de mi obra, y de cómo su final casi sale de la ficción y se vuelve pura realidad: mostrando en su epílogo una versión de una manifestación real, en 2016, en la que mujeres wayuüs portando, féretros de niños (vacíos), denunciaban esta tragedia en la plaza de Bolívar de Bogotá, en frente al Palacio presidencial, para llamar la atención de la prensa mundial.

Y así llegamos a lo que me tiene más emocionado; el estreno de la obra teatral que estoy dirigiendo para la asociación universitaria Alles is Drama, que se titula The Abbey (La abadía), el 17, 18 y 19 de marzo en ‘T Magish Theatre de Maastricht. Con lo que los que conozcan de esto, sabrán que esta semana no he parado de ensayar: varios ensayos intensivos, dos ensayos pre-generales y un ensayo general. Con lo que reafirmo que está siendo una semana frenética.

He de reconocer que cuando la junta directiva de Alles is Drama me contrató y me dio la obra que ellos querían que dirigiese (ya la tenían elegida, era un texto todavía en español: La Abadía) no me convenció, porque era una obra que no parecía ser, ni de lejos, de mi estilo ‒saben que mi especialidad es el teatro clásico, aunque también trabajo el contemporáneo incluso vanguardistas, pero cuando se trata de obras con mensajes, críticas, o reflexiones inteligentes ya sean trágicas dramáticas o cómicas‒, a esto tenemos que sumarle que la obra está aderezada con canciones y coreografías sin llegar a ser un musical, y como guinda del pastel; el día de la audición para elegir el reparto se me presentaron una cantidad de actores muy jóvenes, algunos con poca experiencia y otros con ninguna; de distintas partes del mundo. lo que conllevaba diferentes culturas y, sobre todo, diferentes acentos del idioma en el que nos íbamos a comunicar: el inglés[1]. Me pregunté: “¿en qué lio me he metido?”.

Pero después cambié el razonamiento, y en lugar de preguntar afirmé: ¡Vaya un reto! Y así fue, un verdadero reto que fui encarando paso a paso, a veces me tomaba mas tiempo preparar un ensayo, que el ensayo en sí mismo, pero he de reconocer que siempre que terminaba un ensayo me sentía satisfecho, sentía que cada día avanzábamos, los actores, bastante inteligentes, me facilitaban las cosas, porque toda indicación que les daba quedaba fijada, y si después le cambiaba esa indicación porque en un contexto más amplio ya no encajaba, también lo incorporaban y eso a pesar de que teníamos pocas horas de ensayo cada semana.

Luego llegó un reto más, casi que impuesto por mí mismo; el traductor oficial de la obra vertió al español todas las escenas y se dejó las canciones para después, porque (también es estudiante en la Universidad de Maastricht) estaba en periodo de exámenes. En principio a mí me bastaba, puesto que montar las escenas me requería tiempo, pero antes de irnos de vacaciones de navidad con las escenas todas “dibujadas” todavía no tenía las canciones en inglés; así que decidí traducir una de ellas. Tenía que hacer un trabajo de traducción, combinando elementos fonéticos, elementos de rima, de ritmo, de conteo silábico de tempo musical, y todo esto sin que, al trasladarlo al otro idioma, se perdiese el sentido de lo expresado (debo decir que tengo alguna experiencia porque trabajo mucho haciendo versiones de teatro en verso y, de hecho, hice una adaptación de un Romeo y Julieta traduciendo versos de Shakespeare al castellano, para combinarlos con otros de Lope de Vega y de Rojas Zorrilla). Oye, que no me quedó mal; le cogí el gustillo y me pasé las navidades traduciendo las otras canciones (ocho en total).

Después llegó el tiempo para que los actores aprendieran las canciones y cantaran (me ayudó mucho que algunos de ellos habían estudiado música y tocan algún instrumento, sin ser profesionales) y, finalmente, las coreografías. Todo esto en un tiempo muy justo (dos meses con ensayos de seis horas semanales). Pensaba que no llegaríamos, pero lo hicimos y además llegando a los ensayos pre-generales y al ensayo general con todo hecho, a falta de ajustes bastante pequeños. Tengo que agradecer al grupo de actores que, ‒ya dije que son muy inteligentes‒ se involucraron mucho y me facilitaron el trabajo.

Así llegué a hacer mío «adapté a mi estilo», un trabajo por el que no daba un real al principio. Ayer fue el estreno y, está mal que yo lo diga pero fue un éxito rotundo. Todavía quedan algunas funciones. Si pueden, no se la pierdan.

La próxima semana volvemos a las anécdotas naturales de nuestro Mentidero de los Comediantes. Hasta entonces.

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[1] A veces costaba trabajo entendernos, puesto que mi inglés, nivel conversacional, tampoco facilitaba mucho las cosas.  

EL MENTIDERO DE LOS COMEDIANTES OF THIS WEEK:
PROMOTING MYSELF.

These weeks are frantic in terms of my theatrical activity: as a spectator, disseminator, and director: first I went to see Chekhov’s play: The Cherry Orchard in Dutch, which in this harsh language is titled: De Kersentuin. In an adaptation to the present time and staging of Toneelgroep Maastricht, which means: Maastricht Theatre Company.

As I knew the original work, I thought I could follow it even in Dutch, but… As the language did not allow me to focus on the plot, I dedicated myself to scrutinizing every detail of the staging and I must say that I was pleasantly surprised. The vocalization of the actors, I must admit, without understanding most of the words, sounded very clear. The way of linking the scenes on a turning stage, which facilitated the actors to barely need to leave the stage, provided a very active dynamic scenario to the whole play and, above all, an old actor, singer, and musician playing Firs. For those who do not know the play: Fisr is the eldest servant who, without being a protagonist, is the one who best knows the ins and outs of the family, servants, and friends of the owner of the cherry orchard. Therefore, Chekhov tasks him to give us those details, which we do not know, about what happened to the crumbling fortunes of the noble families and about the new bourgeois who swarmed through pre-revolution Russia. This Firs is the one who is forgotten while locked in the garden house, when the owner must sell the orchard and the estate. He stays alone with the public to give an epilogue of what happened. Firs kind of performs the function of the chorus of Greek tragedy). This way, Michel Sluysmans, the director of the performance, presents the viewer with his staging, both singing and playing of a very diverse number of instruments, while at the same time offering scenes with an attentive chorus, which at the same time seems to only be marginal.

Last Wednesday I gave my lecture on Neocolonialism and Teatro, which gave me so much pleasure. This time it was for the members of the De Zaak, which in Dutch is something like association of entrepreneurs, in the preamble of its monthly dinner. For those who have been following me only recently: I created this lecture as a Masterclass (8 hours) for the students of the Maastricht School of Applied Arts. As a result of being asked to disseminate it to different groups (such as high school students of the International School of Maastricht, Associations and De Zaak) it became a one-hour lecture as these groups have requested.

In ‘Neocolonialism and theater’ I take a tour of the processes of population, discovery, conquest, colonization, decolonization, and neo-colonization of the Americas and then focus on the northernmost zoma of South America: in La Guajira. This is the area where the indigenous tribe called Wayuü live. While skipping to tell about the processes of conquest, colonization, and decolonization it had suffered, while they continue to severely suffer from the bestial neocolonialism that the coalmine multinationals are imposing on them while their interests were not taken into account at all.

And I say that their interests were not considered because ‘El Cerrejón’, which is the largest open-pit coal mine in the world, and is exploited by a European multinational, is not even in the area where the Wayuüs live. Only, the train must pass through their territory to transport coal to the sea, and from there to the rich parts of the world. The Wayuüs were promised royalties because of the project water streams were changed which limited possibilities for fishing, culture of crops and grazing. These royalties were never paid, and children were dying of thirst and starvation. Hence the tragedy.

Then I review the main myths, rites and gods of the tribe that have elements (because all beliefs are born from the same root: nature) are even related to some Christian beliefs and to the well-known Greek myths bequeathed to us by Homer and Hesiod.

Then I talk about the genesis of my theater play Shaneetay. Firstly, because art (in this case theater) has the tools to criticize and blame of existing barbarities, and the obligation to do so, and secondly because personally I have some of the blood of this tribe, and because a cousin of mine who accused the multinational as an activist, was and forced to leave the area and the country after an attack on her life.

Finally, I explain why the work has the structure of a Greek tragedy with its traditional parts of prologue, parodos, episodes, stasimon and epilogue. I describe the synopsis of my play, and how its end leaves fiction and becomes pure reality: showing in its epilogue a version of a real manifestation in 2016, in which Wayuü women carrying empty children’s coffins protest because of this tragedy, in front of the Presidential Palace on the Plaza de Bolívar in Bogotá to attract the attention of the world press.

And now we come to what has me most excited at this moment: the performance of the play I am directing for the university student association ‘Alles is Drama’, entitled The Abbey, on March 17, 18 and 19 at the Magisch Theater (Magic Theater) in Maastricht. The people around me, will know that this week I did not stop rehearsing: several intensive trials, two pre-general rehearsals is and a general rehearsal. So, I reaffirm that it has been a frantic week.

I must admit that when the board of directors of ‘Alles is Drama’ hired me and sent me the play they wanted me to direct (they already had it chosen, and the text was still in Spanish: La Abadía) I was not convinced, because it was theater that by far did not seem to be my style. You know that my specialty is classical theater, although I also work with contemporary and even avant-garde theater. But it always has a message, a criticism, or an intelligent reflection, either dramatic or comic. The present play is seasoned with songs and choreographies without becoming a musical. And on top, on the day of the audition to choose the cast I was presented with a group of very young actors, some with little experience and others with none, and from different parts of the world. This meant working with different cultures and, above all, different accents of the English language in which we were going to communicate[1]. I asked myself, «What mess have I gotten myself into?

But then I changed my thinking, and instead of despairing I said: ¨What a challenge! ¨
And it was a real challenge that I was facing step by step. Sometimes it took me longer to prepare a rehearsal, than the rehearsal itself was. But I can say that whenever I finished a rehearsal, I felt satisfied, I noted that we improved every time. The actors, who were quite intelligent, made things easier for me, because every hint that I gave them, they remembered immediately.  And when I later changed that suggestion because in a broader context it did no longer fit, they also incorporated the change without a problem, and that even though we only had a few hours of rehearsal each week.

Then came one more challenge, almost imposed on myself: the official translator of the play translated all the scenes into Spanish, but he left the songs for later, because (he is also a student at the University of Maastricht) he was busy in an exam period. At first it was good enough for me, since editing the scenes required time, but before we went on Christmas vacation with the scenes all staged I still did not have the songs in English. So, I decided to translate one of them myself. The translation required combining phonetic elements, elements of rhyme, rhythm, syllabic counting of musical tempo, and all that without, when transferred to the other language, losing the sense of what was expressed in the original song. (Fortunately I had some experience because I work a lot doing theatre versions in verse, and in fact, I made an adaptation of a Romeo and Juliet translating verses from Shakespeare into Spanish, combining them with others verses by Lope de Vega and Rojas Zorrilla). Hey, it didn’t look bad, and I took a liking to it and spent part of the Christmas period translating the other songs, eight in total.

Then it was time for the actors to learn the songs and to start singing (it helped me a lot that some of them had studied music and that they played an instrument, without being professionals) and finally came the choreographies to rehearse. All this in a very strict time schedule (two months with rehearsals of six hours per week). I thought we wouldn’t get there, but we managed it, and we also got to the pre-general rehearsals and the dress rehearsal with everything covered, without the necessity of large adjustments. I must thank the group of actors of whom, ‘I already said that they are very intelligent’ and who were very involved and made my job easier.

That’s how I was able to make an ‘adaptation to my style’, a job for which I did not care much at the beginning. Yesterday was the premiere and, it’s of course it for me to say, but it was a resounding success. There are still some performances left. If you can, don’t miss it.

Next week we return to the natural anecdotes of our Mentidero de los Comediantes. Until then.

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[1] Sometimes it was difficult to understand each other because my level of conversational English didn’t make things easy.