Hola amigos de nortonteatro.blog. Yo soy Nortan Palacio, conocido artísticamente y en la guerra de Troya, como Norton P.
Hello friends of nortonteatro.blog. I am Nortan Palacio, known artistically and in the Troy war, as Norton P.
Viernes 21 de mayo 2024.
ENGLISH VERSION: BELOW SPANISH VERSION
ANÉCDOTA 106: EL MONSTRUO DE LOS JARDINES DE CALDERÓN DE LA BARCA
Antes de mis silencios te comentaba, lector, que escribiría una serie de anécdotas sobre algunas obras peculiares y menos conocidas (representadas) de nuestros grandes dramaturgos del Siglo de Oro, y ya había empezado con una de ellas El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca
En ese primer caso, la excusa me la ofreció el montaje en Madrid de esta comedia, por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Nao d’amores y aunque mi idea primigenia era elegir estas obras al azar, parece que el azar quiere encargarse de elegirlas por mí; puesto que otra vez se estrenó en Madrid, otra vez por la Compañía Nacional de Teatro Clásico (eso sí: con su compañía joven) y otra vez con el mismo autor: Calderón de la Barca, otra comedia de esas que no se representa con mucha asiduidad ni está incluida en el canon de obras maestras. Así que no he tenido que ir a buscar, puesto que voy a hablar de El monstruo de los jardines, que estuvo hasta hace poco en cartelera en Madrid y que pronto empezará una gira por festivales de teatro clásico veraniegos, empezando en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.
Pero no voy a hacer una crítica teatral (aunque un poco sí) sino sobre lo que nos cuenta la obra, cómo la gestó en su momento Calderón, bajo qué premisas vitales o cortesanas, cuales fueron las fuentes etc. Pero como siempre digo: El mentidero de los Comediantes es una sección de chismes y curiosidades, así que nadie se espere una exposición sesuda, sino divulgativa y accesible, eso sí, basada, como siempre, en una investigación escrupulosa.
El monstruo de los jardines nos cuenta una historia sacada de la mitología griega; una parte de la vida de Aquiles y encuadrada en la guerra de Troya, pero, mira por dónde, esa parte de su vida no nos la contó Homero en La Iliada ni en La Odisea y llegó a nosotros a través de un poema épico del siglo primero después de Cristo, escrito por el escritor romano (había nacido en Nápoles, pero en esa época ya todos los nacidos en el imperio tenían ciudadanía romana) Publio Papinio Estacio: La Aquileida.
El poema, que iba a ser dedicado al emperador Domiciano, se quedó inconcluso a causa de la muerte de Estacio, aunque la parte que nos queda se aprovechó por muchos artistas y entre ellos nuestro Calderón. De cualquier manera, se sabe que en la trilogía de Esquilo llamada también La Aquileida (tres tragedias basadas en el héroe) y que en otra tragedia de Eurípides llamada Los Escirros, todas perdidas; ambos dramaturgos recreaban esa parte de la historia que recogió Estacio.
Pero cuál es esa historia: resumidamente trata de que la ninfa Tetis, madre de Aquiles, se entera de varias cosas importantes en la vida de su todavía joven hijo: el anuncio de la Guerra de Troya y el presagio de los hados que profetizan que Aquiles morirá en esa guerra. La madre protectora le pide al Centauro Quirón que lleve a Aquiles a la isla de Sciro y lo esconda (sin contacto con nadie) en una cueva. Allí pasa algunos años, pero un terremoto lo libera y al salir se enamora de Deyanira, hija del rey de la isla, Licomedes. Su madre, para evitar que lo envían a la guerra, decide hacerlo pasar por mujer; pero su disfraz de mujer y su ímpetu guerrero le hacen vivir bajo riesgo continuo. A la isla llega Ulises acompañado de Diomedes, en busca de Aquiles, ya que otra profecía dice que si los griegos van a Troya sin él perderán la guerra. Al principio, Ulises no reconoce a la muchacha que siempre está al lado de Deyanira, pero con un ardid, típico del astuto héroe, lo desenmascara: le hace creer que unos soldados están atacando la corte y Aquiles se quita el traje de dama y se pone una armadura para defender a su amada. Entonces, descubierto, se ve obligado a acompañar a los griegos a su guerra.
En su comedia, Calderón expone esta historia pero, ya sabemos como son los genios: aderezó la historia con nuevos personajes; con mezcla de géneros, aunque uno de los más destacados es el de la “comedia cómica o de enredos”, sobre todo por los continuos travestismos de Aquiles; con música y canto, haciéndola otra pre-ópera (algunos afirman que su comienzo, donde diez marineros cantan, primero en coro y luego de uno en uno, pudo servir de inspiración a Verdi para la obertura de su Otello o a Henry Purcell para el coro de marineros de Dido y Eneas); y, como no podía ser menos en una comedia mitológica que iba a ser representada ante la familia real, con grandes efectos escénicos.
Pero lo más importante es que hizo de Aquiles otro Segismundo y aquí aplicó todos sus recursos y todos sus tópicos (me refiero a que eran clásicos en Calderón) filosóficos geniales de su conocidísima La vida es sueño: el descubrimiento de la vida, la pérdida de la inocencia, el cuestionamiento a los dioses (la ninfa y los hados), el salvaje al que el amor y la música redimen. Además, el personaje principal pasa por varios estados de este sistema filosófico-dramático, siempre señalados por los estudiosos: sentencia del destino, intento de huida y la prueba de adaptación al mundo civilizado.
Si bien, el final no resulta dramático a ojos del espectador, puesto que Aquiles antes de partir a Troya se casa con Deidamia (Calderón Cambió varios nombres de la historia de Estacio), sí que en el fondo lo que prevalece es el gen trágico, los recién casados separados, la guerra en ciernes y el saber, que todos lo sabemos, que Aquiles morirá en Troya. Si acaso el único que tiene su final feliz es Ulises, puesto que su cometido es descubrir a Aquiles y conducirlo a la flota griega y lo logra. Además sabemos que Ulises no morirá en Troya y que le esperan sucesos que lo harán famoso.
En mi caso, siempre me ha parecido que esta obra tiene muchas similitudes con La tempestad de Shakespeare, tanto como por su inicio con el naufragio (aunque este principio era un tópico calderoniano usado en muchas de sus comedias mitológicas: El mayor encanto amor, El golfo de las sirenas, Ni amor se libra de amor, o el auto sacramental Los encantos de la culpa) pero más por la relación filial de Aquiles con Tetis y la de Miranda con su padre Próspero, donde no existen más humanos, y la manera en que ambos jóvenes (Aquiles y Miranda) descubren la humanidad y el amor.
Esta obra la estrenó Calderón en 1661, es decir, en un momento de cambio en su vida; se había ordenado sacerdote en 1651 y se cree que esa decisión la tomó después de que un hijo que tuvo en 1940 murió a la edad de diez años. Por esta razón, y como una declaración teologal había declarado que las comedias eran inmorales (a vueltas con la iglesia), dejó de escribir comedias y se dedicó a la composición de Autos Sacramentales, pero la penurias económicas no dejaban de acecharlo y decidió aceptar ofertas de la familia real para componer estas comedias mitológicas, cosa que hizo que nos dejara en herencia obras menos dramáticas y filosóficas, pero de mucha valía para las artes posteriores como la Ópera y la Zarzuela, como ya anotamos antes. Entre 1652 y su muerte en 1680 escribió para los teatros de palacio al menos diez de estas pre-óperas: La fiera el rayo y la piedra (1652) Andrómeda y Perseo (1653) Afectos de odio y amor (1658) Faetonte (1660) La purpura de la rosa (1660) Eco y Narciso (1661) El monstruo de los jardines (1661) La estatua de Prometeo (1669) Ni amor se libra de amor (1679) Hado y Divisa de Leonido y Marfisa (1680). El mismo año en que murió.
En cuanto al montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el director y autor de la versión, Iñaki Ricaurte señala que entre otras cosas ha dado importancia a las desgracias que la guerra traerá y a quienes les interesa que haya guerras: de ahí que al sequito de Ulises se le llama «la milicia» y al los «hados» se los rebautiza como «estados»; y también pone el foco en lo dramático del final. El vestuario sitúa la obra en un tiempo no muy lejano, aunque eso actualmente (sin ánimo crítico) es el pan de cada día en las revisiones de los clásicos (de cualquier época o lugar).
Nos comunicamos en la próxima anécdota.
ANECDOTE 106: THE MONSTER OF THE GARDENS BY CALDERÓN DE LA BARCA
Before my silences I told you, reader, that I would write a series of anecdotes about some peculiar and lesser-known (performed) works of our great playwrights of the Spanish Golden Age, and I had already started with one of them, The Castle of Lindabridis by Calderón de la Barca
In that first case, the excuse was offered to me by the staging of this comedy in Madrid, by the Compañía Nacional de Teatro Clásico and Nao d’amores, and although my original idea was to choose these plays at random, it seems that «the Random» wants to take care of choosing them for me; since it was premiered again in Madrid, again by the Compañía Nacional de Teatro Clásico (with it young company) and again with the same author: Calderón de la Barca, another comedy of those that is not performed very often nor is it included in the canon of masterpieces. So, I didn’t have to go looking, since I’m going to talk about The Monster of the Gardens, which is currently on the billboard in Madrid and will soon start a tour of summer classical theatre festivals, starting at the Almagro International Festival of Classical Theatre.
But I’m not going to make a theatrical critique (although a little yes) but about what the play tells us, how Calderón conceived it at the time, under what vital or courtly premises, what were the sources, etc. But as I always say: The Mentidero de los Comediantes is a gossip and curiosities section, so no one expects a brainy exposition, but informative and accessible, based, as always, on scrupulous research.
The Monster in the Gardens tells us a story taken from Greek mythology; a part of Achilles’ life and framed in the Trojan War, but, lo and behold, that part of his life was not told to us by Homer in The Iliad or in The Odyssey and came to us through an epic poem of the first century after Christ. written by the Roman writer (he was born in Naples, but at that time everyone born in the empire already had Roman citizenship) Publius Papinius Statius: The Achilleid.
The poem, which was to be dedicated to the emperor Domitian, was left unfinished because of the death of Statius, although the part that remains to us was used by many artists, including our own Calderón. In any case, it is known that in Aeschylus’ trilogy, also called The Achilleid, there are three tragedies based on the hero and that in another tragedy by Euripides called The Scyrrhus, all tragedies lost; both playwrights recreated that part of the story that Statius collected.
But what is that story: in short, it is about the nymph Thetis, mother of Achilles, learning of several important things in the life of her still young son: the announcement of the Trojan War and the foreboding of the fates who prophesy that Achilles will die in that war. The protective mother asks the Centaur Chiron to take Achilles to the island of Scyrus and hide him (without contact with anyone) in a cave. He spent some years there, but an earthquake freed him and when he left he fell in love with Deianira, daughter of the island’s king, Lycomedes. His mother, in order to avoid being sent to war, decides to pass him off as a woman; But her disguise as a woman and her warrior impetus make her live under continuous risk. Odysseus arrives on the island accompanied by Diomedes, in search of Achilles, since another prophecy says that if the Greeks go to Troy without him they will lose the war. At first, Ulysses does not recognize the girl who is always by Deianira’s side, but with a ruse, typical of the cunning hero, he unmasks him: he makes him believe that soldiers are attacking the court and Achilles takes off his lady’s costume and puts on body armour to defend his beloved. Then, discovered, he is forced to accompany the Greeks to their war.
In his comedy, Calderón exposes this story but, we already know how geniuses are: he seasoned the story with new characters; with a mixture of genres, although one of the most outstanding is that of the «comic comedy or of entanglements», especially because of the continuous cross-dresses of Achilles; with music and singing, making it another pre-opera (some say the play beginning, where ten sailors sing first in chorus and then one by one, may have served as inspiration for Verdi’s overture to his Otello or Henry Purcell’s for the sailors’ chorus in Dido and Aeneas); and of course, in a mythological comedy that was going to be performed before the royal family, with great scenic effects.
But the most important thing is that he made Achilles another Sigismund and here he applied all his resources and all his philosophical clichés (I mean that they were classics in Calderón) of his well-known Life is a Dream: the discovery of life, the loss of innocence, the questioning of the gods (the nymph and the fates), the savage who is redeemed by love and music. In addition, the main character goes through several stages always pointed out by researchers: the sentence of destiny, the attempt to escape, and the test of adaptation to the civilized world.
Although the ending is not dramatic in the eyes of the viewer, since Achilles marries Deidamia before leaving for Troy (Calderón changed several names in the story of Statius), what prevails in the background is the tragic gene, the separated newlyweds, the war in the making and the knowledge, which we all know, that Achilles will die at Troy. If anything, the only one who has his happy ending is Ulysses, since his task is to discover Achilles and lead him to the Greek fleet, and he succeeds. We also know that he will not die in Troy and that events that will make him famous await him.
In my case, it has always seemed to me that this play has many similarities with Shakespeare’s The Tempest, as much as for its beginning with the shipwreck (although this principle was a Calderonian cliché used in many of his mythological comedies: The Greatest Charm of Love, The Gulf of the Sirens, Nor Love Is Free of Love, or the sacramental play: The Charms of Guilt) but more because of the filial relationship of Achilles with Thetis and that of Miranda with his father Prospero, where there are no more humans, and the way in which both young people (Achilles and Miranda) discover humanity and love.
This work was premiered by Calderón in 1661 in a moment of changes in his life: he had been ordained as a priest in 1651, and it is believed that this decision was made after a son he had in 1940 died at the age of ten. For this reason, as a theological statement had declared that comedies were immoral (the church again and again) he stopped writing comedies and devoted himself to the composition of Autos Sacramentales, but economic hardships did not cease to beset him and he decided to accept offers from the royal family to compose these mythological comedies, which made him leave us in inheritance less dramatic and philosophical works, but of great value for the later arts such as the Opera and the Zarzuela, as I has already noted. Between 1652 and his death in 1680 he wrote at least ten of these pre-operas for the palace theatres: The Beast, the Lightning and the Stone (1652) Andromeda and Perseus (1653) Affections of Hate and Love (1658) Phaethon (1660) The Purple of the Rose (1660) Echo and Narcissus (1661) The Monster in the Gardens (1661) The Statue of Prometheus (1669) Neither Love Is Free From Love (1679) Fate and Currency of Leonido and Marfisa (1680).
As for the staging of the National Classical Theatre Company of Spain, the director and author of the version, Iñaki Ricaurte, points out that among other things he has given importance to the misfortunes that war will bring and to those who are interested in wars: hence the entourage of Ulysses is called «the militia» and the «fates» are renamed «states»; And it also puts the spotlight on the drama of the ending. The costumes place the work in a not-too-distant time, although that is currently (without a critical intention) the daily bread in the revisions of the classics (of any time or place).
We’ll communicate in the next anecdote.
Norton Teatro 